Muerte y Resurrección del Cyberpunk, Cap. 11: tres reflexiones

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En su día hicimos un extenso repaso a lo mejor y peor del género cyberpunk, tanto en su génesis literaria como en su adaptación a la gran pantalla. Observamos cómo tras poco más de una década de vida comenzaba su primer declive, coincidente con el lanzamiento mundial de Windows 95 y cómo la película The Matrix marcaba el punto de inflexión (y el canto del cisne) del género al hacerlo pasar del ghetto hacker al mainstream. Por último, observamos cómo, en lugar de desaparecer, cambiaba de apariencia y se adaptaba a los nuevos tiempos, tiempos que él mismo había vaticinado.

En los meses transcurridos entre aquellos artículos y este corolario, se han dado ciertos movimientos en la subcultura que convendría mencionar: en primer lugar, la tercera temporada de Black Mirror, que contiene escenas y momentos memorables: el episodio San Junipero, probablemente una de las mejores historias cyberpunk jamás narradas, obtuvo, merecidamente, dos premios BAFTA y dos premios Emmy.

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En segundo lugar tenemos el remake con actores de carne y hueso (y mucho CGI) de Ghost in the Shell, protagonizada por Scarlett Johansson y Takeshi Kitano. La película suscitó críticas aceradas y adhesiones más o menos tibias, amén de una natural controversia por la elección de una actriz occidental para un papel que debería haber interpretado una oriental.

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En tercer lugar, y quizás el más importante, el estreno de Blade Runner 2049, de Denis Villeneuve, que va camino también de convertirse en un campo de batalla, una línea divisoria entre partidarios y detractores. Oh, y el anuncio de que se prepara una versión cinematográfica de Snow Crash, de Neal Stephenson. Vamos por partes.

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La tercera temporada de Black Mirror incidió con más fuerza que antes en algunos aspectos terroríficos de las posibilidades de la tecnología. La posibilidad de hackear la percepción de combatientes, convirtiendo a sus enemigos en cucarachas gigantes para anular el natural instinto de no matar a los de la propia especie; la aterradora realidad que constituye el chantaje electrónico o las consecuencias de otorgar un poder excesivo en nuestras vidas a la valoración ajena expresada en redes sociales. Pero San Junipero, dirigida por Owen Harris, marca un antes y un después en el género.

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La historia se ambienta en el pueblo costero del mismo nombre, en 1987… o eso parece. Porque San Junipero (voy a medir las palabras para no hacer un spoiler mayúsculo a nadie) trata de qué es real, qué es virtual, de cómo la tecnología puede ayudar a las personas desahuciadas, de cómo salvar el Vacío Final que nos espera a todos, de cómo, en definitiva, dejaremos de necesitar a Dios. Las protagonistas son dos jóvenes, Kelly (Gugu Mbatha-Raw) y Yorkie (Mackenzie Davis) que se conocen, se enamoran, se aman y se buscan desesperadamente a lo largo de todo el metraje. Es absolutamente imprescindible: con una historia preciosa de fondo, toca todas las teclas importantes del cyberpunk.

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Ghost in the Shell, en su versión de carne y hueso, no es en absoluto el desastre que los críticos y los nerds aseguran. Pasa como siempre: no se perdona que algo que era privado, algo para «unos pocos escogidos», pase al mainstream y a posesión del público en general. Tampoco se perdona que la historia del anime original, retorcida y difícil de seguir en algunos momentos, se haya simplificado para hacerla más accesible al público masivo. Sin embargo, lo cierto es que se mantiene el tema (la colusión de intereses entre Gobiernos y corporaciones) y las preocupaciones filosóficas del original.

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No ayuda mucho que el papel de la mayor Kusanagi lo haya interpretado una Scarlett Johansson en absoluto idónea para el mismo, ni que, para colmo de males, un Takeshi Kitano muy poco motivado interprete a Aramaki, ese genio de la botella, Deus ex Machina cuya sombra se proyecta sobre toda la historia de Shirow. Sin embargo, la película tiene una atmósfera visual arrebatadora, y toma elementos de los animes posteriores (Innocence y Arise) y los aprovecha con entusiasmo. La ambientación es espectacular y cada elemento visual y sonoro es un homenaje al original. Así que la cosa queda dividida.

La cuestión, sin duda, es: ¿por qué? ¿Para qué regresar a la misma historia del cyberpunk clásico de 1995 cuando, sin duda, el género ha evolucionado tanto? Todo lo que podemos ver en el film (la elección de Johansson y Kitano, la dirección frenética, poco acertada en ocasiones de Rupert Sanders…) apunta al vil metal, y solo a eso. Y es una lástima: una ocasión perdida de hacer un reboot comme il faut al universo de Kusanagi, Batou y compañía.

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Esto no ocurre, al menos, con Blade Runner 2049. Hasta los fans más acérrimos reconocerán que Villeneuve se aleja visualmente de la película de Ridley Scott, arriesga, pone carne en el asador y obtiene una película melancólica, como la original, pero mucho más oscura y pesimista, mucho más desencantada con el género humano. Aunque un servidor no es especialmente fan de Ryan Gosling, hay que decir que su cara de palo se adecúa a la perfección al alma del protagonista, K. Si Rick Deckard provenía del género hardboiled de escritores como Dashiell Hammett y Raymond Chandler, K procede de un subgénero bastante más sórdido del noir, uno más cercano a la realidad, al dolor constante que implica ser un paria. En cierto sentido me recuerda extraordinariamente al protagonista de Escupiré sobre vuestras tumbas, de Boris Vian.

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Blade Runner 2049 tiene mucho del cuento clásico Pinocho, de Collodi, y bebe también de la magnífica Her (Spike Jonze, 2013) pero sigue patrones propios que en ocasiones llegan a la especulación sobre la condición humana y su supuesta superioridad sobre otras (eventuales) formas de conciencia. Y aunque los miembros de este blog ya hemos enfrentado opiniones diversas al respecto de la película, el que esto suscribe es un ardiente defensor del experimento de Villeneuve.

Dejemos aquí la crítica para no entrar en spoilers. ¿Era necesaria Blade Runner 2049? No. ¿Es bienvenida? Mucho. Supone una oportuna evolución, en muchos sentidos, del género cyberpunk, alejándolo del noir clásico e introduciéndolo en terrenos un poco más sociales y medioambientales. Complemento imprescindible: los cortos oficiales Blackout 2022, 2036: Nexus Dawn y 2048: Nowhere to Run.

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En definitiva, parece que el cyberpunk tampoco se libra de la tendencia del Hollywood actual de buscar historias ya probadas en lugar de arriesgar con historias nuevas. A veces los resultados son mediocres y otras veces, esplendorosos. Habrá que esperar a la adaptación audiovisual de un clásico como Snow Crash, anunciada hace escasamente un mes y medio por Paramount Television, para ver hacia cuál de ambos lados se decanta la balanza. Ya lo dice el refrán: un paso adelante, dos atrás.

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El Aliento de los Dioses, el Cosmere más tibio

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Cada vez estoy más cerca de ponerme al día de la inmensa saga de Brandon Sanderson conocida como el Cosmere. Siguiendo las recomendaciones de todos los expertos en el tema antes de lanzarme con la segunda parte de El Archivo de las Tormentas tocaba leer El Aliento de los Dioses. Como Elantris esta es una novela en principio unitaria.

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Perdido en La Estación de la Calle Perdido

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Hace mucho tiempo en un blog no muy lejano un colaborador hablo de China Mieville y la Trilogía de Bas-Lag y la dejo muy muy bien. Como siempre que alguien me habla con pasión de alguna cosa me entraron ganas de leer la obra. Por desgracia por aquel entonces la obra estaba descatalogada y en la sección de libros de segunda mano de Gigamesh tenía un precio desorbitado. A principios de año el sello Nova de Ediciones B anunció que se había hecho con los derechos de la bibliografía del señor Mieville. Para mi cumpleaños me regalaron La Estación de la Calle Perdido y la semana pasada aprovechando las vacaciones me la leí y llego la decepción.

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Simpatía por el Diablo

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Ni John Dillinger fue el tipo carismático y glamuroso de las múltiples películas basadas en su vida, ni Robin Hood fue el elegante ladrón y experto con arco que hacía suspirar a las damas inglesas por los bosques de Sherwood. En realidad, por lo que sabemos de ambos personajes, fueron tipos bastante desagradables: rudos, violentos y peligrosos. Sin embargo, como en muchos más casos similares (Bonnie y Clyde, Jesse James) la tendencia a mitificarlos y endulzar la leyenda ha sido más poderosa que la realidad, a menudo indeseable. ¿Por qué? ¿Qué hay dentro de nosotros que nos lleva a sentir simpatía por el Diablo?

Un futuro perfecto

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Hubo una época en que mirábamos hacia el futuro con ilusión. En que la ciencia ficción no planteaba distopías, futuros espeluznantes, preguntas filosóficas existenciales. Una época feliz en la que la fe en el progreso nos henchía de orgullo ante nuestro ingenio y de optimismo para, de un modo u otro, lograr un futuro próspero y feliz.

Más que nada, porque el día a día se presentaba oscuro, muy oscuro.

SOSPECHOSOS POCO HABITUALES

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– Hola, ¿tienes un momento para nosotros?
Uno espera escuchar esta frase de boca de Testigos de Jehová, encuestadores de Oxfam o de Avón-llama-a-tu-puerta, pero nunca de una pareja de Mossos d’Esquadra con su chaleco antibalas, su placa y su pistola reglamentaria. Quizás por eso (especialmente, por la pistola) asiento con la cabeza.

Arena Blanca, no todo iba ser maravilloso

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Brandon Sanderson es un escritor super prolífico que antes de publicar Elantris, su primera novela, tenía cuatro o cinco obras más acabadas. Entre esas obras acabadas algunas han visto la luz en forma de novelas, Mistborn o El Camino de los Reyes, pero algunas se han quedado en el olvido a la espera de una revisión que las lleve a un estado óptimo para su publicación. Arenas Blancas es una de esas ideas que no estaba a la altura, de hecho es la primera novela de El Cosmere, y cuando Dinamyc Forces se acerco para ver si podían colaborar el mormón le dio un último repaso y se la ofreció para hacer una adaptación al mundo de la viñeta. Hoy daremos un vistazo a la primera de las tres novelas gráficas que compondrán la historia.

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