Muerte y Resurrección del Cyberpunk, Cap. 11: tres reflexiones

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En su día hicimos un extenso repaso a lo mejor y peor del género cyberpunk, tanto en su génesis literaria como en su adaptación a la gran pantalla. Observamos cómo tras poco más de una década de vida comenzaba su primer declive, coincidente con el lanzamiento mundial de Windows 95 y cómo la película The Matrix marcaba el punto de inflexión (y el canto del cisne) del género al hacerlo pasar del ghetto hacker al mainstream. Por último, observamos cómo, en lugar de desaparecer, cambiaba de apariencia y se adaptaba a los nuevos tiempos, tiempos que él mismo había vaticinado.

En los meses transcurridos entre aquellos artículos y este corolario, se han dado ciertos movimientos en la subcultura que convendría mencionar: en primer lugar, la tercera temporada de Black Mirror, que contiene escenas y momentos memorables: el episodio San Junipero, probablemente una de las mejores historias cyberpunk jamás narradas, obtuvo, merecidamente, dos premios BAFTA y dos premios Emmy.

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En segundo lugar tenemos el remake con actores de carne y hueso (y mucho CGI) de Ghost in the Shell, protagonizada por Scarlett Johansson y Takeshi Kitano. La película suscitó críticas aceradas y adhesiones más o menos tibias, amén de una natural controversia por la elección de una actriz occidental para un papel que debería haber interpretado una oriental.

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En tercer lugar, y quizás el más importante, el estreno de Blade Runner 2049, de Denis Villeneuve, que va camino también de convertirse en un campo de batalla, una línea divisoria entre partidarios y detractores. Oh, y el anuncio de que se prepara una versión cinematográfica de Snow Crash, de Neal Stephenson. Vamos por partes.

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La tercera temporada de Black Mirror incidió con más fuerza que antes en algunos aspectos terroríficos de las posibilidades de la tecnología. La posibilidad de hackear la percepción de combatientes, convirtiendo a sus enemigos en cucarachas gigantes para anular el natural instinto de no matar a los de la propia especie; la aterradora realidad que constituye el chantaje electrónico o las consecuencias de otorgar un poder excesivo en nuestras vidas a la valoración ajena expresada en redes sociales. Pero San Junipero, dirigida por Owen Harris, marca un antes y un después en el género.

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La historia se ambienta en el pueblo costero del mismo nombre, en 1987… o eso parece. Porque San Junipero (voy a medir las palabras para no hacer un spoiler mayúsculo a nadie) trata de qué es real, qué es virtual, de cómo la tecnología puede ayudar a las personas desahuciadas, de cómo salvar el Vacío Final que nos espera a todos, de cómo, en definitiva, dejaremos de necesitar a Dios. Las protagonistas son dos jóvenes, Kelly (Gugu Mbatha-Raw) y Yorkie (Mackenzie Davis) que se conocen, se enamoran, se aman y se buscan desesperadamente a lo largo de todo el metraje. Es absolutamente imprescindible: con una historia preciosa de fondo, toca todas las teclas importantes del cyberpunk.

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Ghost in the Shell, en su versión de carne y hueso, no es en absoluto el desastre que los críticos y los nerds aseguran. Pasa como siempre: no se perdona que algo que era privado, algo para «unos pocos escogidos», pase al mainstream y a posesión del público en general. Tampoco se perdona que la historia del anime original, retorcida y difícil de seguir en algunos momentos, se haya simplificado para hacerla más accesible al público masivo. Sin embargo, lo cierto es que se mantiene el tema (la colusión de intereses entre Gobiernos y corporaciones) y las preocupaciones filosóficas del original.

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No ayuda mucho que el papel de la mayor Kusanagi lo haya interpretado una Scarlett Johansson en absoluto idónea para el mismo, ni que, para colmo de males, un Takeshi Kitano muy poco motivado interprete a Aramaki, ese genio de la botella, Deus ex Machina cuya sombra se proyecta sobre toda la historia de Shirow. Sin embargo, la película tiene una atmósfera visual arrebatadora, y toma elementos de los animes posteriores (Innocence y Arise) y los aprovecha con entusiasmo. La ambientación es espectacular y cada elemento visual y sonoro es un homenaje al original. Así que la cosa queda dividida.

La cuestión, sin duda, es: ¿por qué? ¿Para qué regresar a la misma historia del cyberpunk clásico de 1995 cuando, sin duda, el género ha evolucionado tanto? Todo lo que podemos ver en el film (la elección de Johansson y Kitano, la dirección frenética, poco acertada en ocasiones de Rupert Sanders…) apunta al vil metal, y solo a eso. Y es una lástima: una ocasión perdida de hacer un reboot comme il faut al universo de Kusanagi, Batou y compañía.

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Esto no ocurre, al menos, con Blade Runner 2049. Hasta los fans más acérrimos reconocerán que Villeneuve se aleja visualmente de la película de Ridley Scott, arriesga, pone carne en el asador y obtiene una película melancólica, como la original, pero mucho más oscura y pesimista, mucho más desencantada con el género humano. Aunque un servidor no es especialmente fan de Ryan Gosling, hay que decir que su cara de palo se adecúa a la perfección al alma del protagonista, K. Si Rick Deckard provenía del género hardboiled de escritores como Dashiell Hammett y Raymond Chandler, K procede de un subgénero bastante más sórdido del noir, uno más cercano a la realidad, al dolor constante que implica ser un paria. En cierto sentido me recuerda extraordinariamente al protagonista de Escupiré sobre vuestras tumbas, de Boris Vian.

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Blade Runner 2049 tiene mucho del cuento clásico Pinocho, de Collodi, y bebe también de la magnífica Her (Spike Jonze, 2013) pero sigue patrones propios que en ocasiones llegan a la especulación sobre la condición humana y su supuesta superioridad sobre otras (eventuales) formas de conciencia. Y aunque los miembros de este blog ya hemos enfrentado opiniones diversas al respecto de la película, el que esto suscribe es un ardiente defensor del experimento de Villeneuve.

Dejemos aquí la crítica para no entrar en spoilers. ¿Era necesaria Blade Runner 2049? No. ¿Es bienvenida? Mucho. Supone una oportuna evolución, en muchos sentidos, del género cyberpunk, alejándolo del noir clásico e introduciéndolo en terrenos un poco más sociales y medioambientales. Complemento imprescindible: los cortos oficiales Blackout 2022, 2036: Nexus Dawn y 2048: Nowhere to Run.

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En definitiva, parece que el cyberpunk tampoco se libra de la tendencia del Hollywood actual de buscar historias ya probadas en lugar de arriesgar con historias nuevas. A veces los resultados son mediocres y otras veces, esplendorosos. Habrá que esperar a la adaptación audiovisual de un clásico como Snow Crash, anunciada hace escasamente un mes y medio por Paramount Television, para ver hacia cuál de ambos lados se decanta la balanza. Ya lo dice el refrán: un paso adelante, dos atrás.

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UN CERDO QUE VUELA: Cosas que (quizás) no sabías de Porco Rosso

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La has visto. Te ha emocionado. Te sabes frases de memoria. Y, lo que es más: aún sufres, cuando la ves, por Marco, Fío, Gina y los demás maravillosos personajes que Hayao Miyazaki creó para su obra maestra de la animación. Porco Rosso marcó un antes y un después en la historia de los estudios Ghibli, pero, más allá de su historia básica, numerosos detalles de todo tipo hacen de ella una joya. Detalles que muchas veces pasan desapercibidos. Adentrémonos en el microcosmos histórico y político de Porco Rosso.

Shokugeki no Soma, Un review y una receta

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Como seguro ya os habréis percatado, a parte de ser grumpy soy cocinero. Y como cocinero me gustan los mangas de cocina. En el blog de mi empresa de cocina a domicilio hice un repaso a los que más me han gustado. Cuando acabé el fantástico torneo nocturno de Netrunner con cena y cócteles nos quedamos charlando un rato con la parroquia y empezamos a hablar de manga. Josep me preguntó si había vistoo Shokuegki no Soma un manganime de cocina; hace un mes no sabía ni que existía, hoy ya he acabado el anime y me he puesto al día con el manga. Así que hoy toca minireview de Shokugeki no Soma y por primera vez en el blog un receta, mi interpretación de la primera receta de la serie.

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Contra Dragon Ball

Dragon Ball Z

Ha sido una de las noticias de estas últimas semanas. El ya venerable Akira Toriyama ha anunciado la vuelta de la serie por la cual es más conocido y ha amasado una buena cantidad de millones de yenes: Dragon Ball. Será el próximo mes d ejulio cuando se estrena esta nueva serie, titulada Dragon Ball Super, que continuará la saga de Son Goku y compañía a partir de la saga del monstruo Boo, parte fundamental de Dragon Ball GT Z, hace ya casi (glups) veinte años. La noticia ha sido recibida con alborozo por otakus de todo tipo y condición y por miembros de esa generación EGB que idealiza unos ochenta y noventa que sólo han existido en el mundo de la nostalgia. Personalmente, la noticia me ha dejado indiferente, hace tiempo que abandoné la fiebre por Dragon Ball, pero me ha sorprendido la cantidad de gente que guarda tan buen recuerdo de una serie que, para mí, perdió el oremus desde el mismo momento que decidió incorporar apellidos a su título.

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One Piece, una Oda a la amistad

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La semana pasada Surfer se puso a los mandos del navío Grumpy y como si de los capitanes LeChuck o Jack Sparrow se tratara nos inspiro a todos ha hablar de los malhechores de alta mar. De las manos de Humpty y Tim Powers visitamos costas extrañas, Darth nos llevo a su terreno hablandonos de juegos de miniaturas con piratas como protagonistas y un servidor comando la nave hasta el 7o Mar. Para completar nuestro paseo por el mundo de los bucaneros nos faltan algunos géneros, y hoy vengo a subsanarlo, hoy toca hablar de One Piece.

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Star Wars Rebels, Marchándose a lo grande

Star Wars Rebels, The Crew

Trece episodios no son muchos pero le han servido a Star Wars Rebels para que mi opinión cambie diversas veces. Si os leéis la entrada que le dediqué al inicio de la serie mis expectativas eran muy altas, pero a medida que la serie avanzaba las ganas de verla iban decreciendo hasta llegar a los tres últimos capítulos, especialmente el tercero, que me ha dejado con ganas de más.

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