Ready Player One: El huevo de pascua que el libro escondía.

Hace escasos meses que me leí el libro geek por antonomasia: Ready Player One, de Ernest Cline. La “muerte por hype” fue inmediata. Un libro vacío, que prestaba más atención a las referencias sobre la cultura pop que a la historia en sí. Supongo que de haberlo leído cuando lo hizo Arqueo, antes de que muchos de mis amigos hinchasen esta ópera prima al nivel de de “El nombre del viento” o “Elantris“, habría considerado que es una novela entretenida, sin más. Pero el libro escondía un huevo de pascua: una película dirigida por el grandioso y eterno Steven Spielberg.

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Grumpysodio IV: Los últimos Talibanes

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Confieso que siempre me ha parecido un fenómeno extraordinario: los fans de la saga que a cada nueva entrega se sienten “traicionados” o que creen que la última película ha “traicionado el espíritu original” de la saga. Los talibanes de Star Wars. Los que vivirían viendo la trilogía original en bucle, porque todo lo demás les parece anatema. ¿Todo? No. A la inmensa mayoría les encanta el Universo Expandido, que a mí me pareció siempre una soberana gilipollez y un sacacuartos más que evidente. Porque seamos sinceros: lo que los talibanes de Star Wars añoran es… su infancia.

Grumpysodio III: Star Wars. Que estos sean Los últimos Jedi, por favor.

Hace ya dos años que Abrams nos devolvía Star Wars en todo su esplendor, con Episodio VII. Tanto nos la quiso retornar las sensaciones del primer film de la saga galáctica, que acabó por hacer una copia de la cinta original, completamente obviable y anodina, que pasará a los anales de la historia cinematográfica como: “El remake más caro e innecesario del mundo”. Con él fuera, todos teníamos la esperanza de que Rian Johnson diese un giro a Episodio VIII y que pudiésemos ver algo decente, pero desgraciadamente no ha sido así.

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Muerte y Resurrección del Cyberpunk, Cap. 11: tres reflexiones

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En su día hicimos un extenso repaso a lo mejor y peor del género cyberpunk, tanto en su génesis literaria como en su adaptación a la gran pantalla. Observamos cómo tras poco más de una década de vida comenzaba su primer declive, coincidente con el lanzamiento mundial de Windows 95 y cómo la película The Matrix marcaba el punto de inflexión (y el canto del cisne) del género al hacerlo pasar del ghetto hacker al mainstream. Por último, observamos cómo, en lugar de desaparecer, cambiaba de apariencia y se adaptaba a los nuevos tiempos, tiempos que él mismo había vaticinado.

En los meses transcurridos entre aquellos artículos y este corolario, se han dado ciertos movimientos en la subcultura que convendría mencionar: en primer lugar, la tercera temporada de Black Mirror, que contiene escenas y momentos memorables: el episodio San Junipero, probablemente una de las mejores historias cyberpunk jamás narradas, obtuvo, merecidamente, dos premios BAFTA y dos premios Emmy.

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En segundo lugar tenemos el remake con actores de carne y hueso (y mucho CGI) de Ghost in the Shell, protagonizada por Scarlett Johansson y Takeshi Kitano. La película suscitó críticas aceradas y adhesiones más o menos tibias, amén de una natural controversia por la elección de una actriz occidental para un papel que debería haber interpretado una oriental.

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En tercer lugar, y quizás el más importante, el estreno de Blade Runner 2049, de Denis Villeneuve, que va camino también de convertirse en un campo de batalla, una línea divisoria entre partidarios y detractores. Oh, y el anuncio de que se prepara una versión cinematográfica de Snow Crash, de Neal Stephenson. Vamos por partes.

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La tercera temporada de Black Mirror incidió con más fuerza que antes en algunos aspectos terroríficos de las posibilidades de la tecnología. La posibilidad de hackear la percepción de combatientes, convirtiendo a sus enemigos en cucarachas gigantes para anular el natural instinto de no matar a los de la propia especie; la aterradora realidad que constituye el chantaje electrónico o las consecuencias de otorgar un poder excesivo en nuestras vidas a la valoración ajena expresada en redes sociales. Pero San Junipero, dirigida por Owen Harris, marca un antes y un después en el género.

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La historia se ambienta en el pueblo costero del mismo nombre, en 1987… o eso parece. Porque San Junipero (voy a medir las palabras para no hacer un spoiler mayúsculo a nadie) trata de qué es real, qué es virtual, de cómo la tecnología puede ayudar a las personas desahuciadas, de cómo salvar el Vacío Final que nos espera a todos, de cómo, en definitiva, dejaremos de necesitar a Dios. Las protagonistas son dos jóvenes, Kelly (Gugu Mbatha-Raw) y Yorkie (Mackenzie Davis) que se conocen, se enamoran, se aman y se buscan desesperadamente a lo largo de todo el metraje. Es absolutamente imprescindible: con una historia preciosa de fondo, toca todas las teclas importantes del cyberpunk.

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Ghost in the Shell, en su versión de carne y hueso, no es en absoluto el desastre que los críticos y los nerds aseguran. Pasa como siempre: no se perdona que algo que era privado, algo para «unos pocos escogidos», pase al mainstream y a posesión del público en general. Tampoco se perdona que la historia del anime original, retorcida y difícil de seguir en algunos momentos, se haya simplificado para hacerla más accesible al público masivo. Sin embargo, lo cierto es que se mantiene el tema (la colusión de intereses entre Gobiernos y corporaciones) y las preocupaciones filosóficas del original.

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No ayuda mucho que el papel de la mayor Kusanagi lo haya interpretado una Scarlett Johansson en absoluto idónea para el mismo, ni que, para colmo de males, un Takeshi Kitano muy poco motivado interprete a Aramaki, ese genio de la botella, Deus ex Machina cuya sombra se proyecta sobre toda la historia de Shirow. Sin embargo, la película tiene una atmósfera visual arrebatadora, y toma elementos de los animes posteriores (Innocence y Arise) y los aprovecha con entusiasmo. La ambientación es espectacular y cada elemento visual y sonoro es un homenaje al original. Así que la cosa queda dividida.

La cuestión, sin duda, es: ¿por qué? ¿Para qué regresar a la misma historia del cyberpunk clásico de 1995 cuando, sin duda, el género ha evolucionado tanto? Todo lo que podemos ver en el film (la elección de Johansson y Kitano, la dirección frenética, poco acertada en ocasiones de Rupert Sanders…) apunta al vil metal, y solo a eso. Y es una lástima: una ocasión perdida de hacer un reboot comme il faut al universo de Kusanagi, Batou y compañía.

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Esto no ocurre, al menos, con Blade Runner 2049. Hasta los fans más acérrimos reconocerán que Villeneuve se aleja visualmente de la película de Ridley Scott, arriesga, pone carne en el asador y obtiene una película melancólica, como la original, pero mucho más oscura y pesimista, mucho más desencantada con el género humano. Aunque un servidor no es especialmente fan de Ryan Gosling, hay que decir que su cara de palo se adecúa a la perfección al alma del protagonista, K. Si Rick Deckard provenía del género hardboiled de escritores como Dashiell Hammett y Raymond Chandler, K procede de un subgénero bastante más sórdido del noir, uno más cercano a la realidad, al dolor constante que implica ser un paria. En cierto sentido me recuerda extraordinariamente al protagonista de Escupiré sobre vuestras tumbas, de Boris Vian.

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Blade Runner 2049 tiene mucho del cuento clásico Pinocho, de Collodi, y bebe también de la magnífica Her (Spike Jonze, 2013) pero sigue patrones propios que en ocasiones llegan a la especulación sobre la condición humana y su supuesta superioridad sobre otras (eventuales) formas de conciencia. Y aunque los miembros de este blog ya hemos enfrentado opiniones diversas al respecto de la película, el que esto suscribe es un ardiente defensor del experimento de Villeneuve.

Dejemos aquí la crítica para no entrar en spoilers. ¿Era necesaria Blade Runner 2049? No. ¿Es bienvenida? Mucho. Supone una oportuna evolución, en muchos sentidos, del género cyberpunk, alejándolo del noir clásico e introduciéndolo en terrenos un poco más sociales y medioambientales. Complemento imprescindible: los cortos oficiales Blackout 2022, 2036: Nexus Dawn y 2048: Nowhere to Run.

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En definitiva, parece que el cyberpunk tampoco se libra de la tendencia del Hollywood actual de buscar historias ya probadas en lugar de arriesgar con historias nuevas. A veces los resultados son mediocres y otras veces, esplendorosos. Habrá que esperar a la adaptación audiovisual de un clásico como Snow Crash, anunciada hace escasamente un mes y medio por Paramount Television, para ver hacia cuál de ambos lados se decanta la balanza. Ya lo dice el refrán: un paso adelante, dos atrás.

Simpatía por el Diablo

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Ni John Dillinger fue el tipo carismático y glamuroso de las múltiples películas basadas en su vida, ni Robin Hood fue el elegante ladrón y experto con arco que hacía suspirar a las damas inglesas por los bosques de Sherwood. En realidad, por lo que sabemos de ambos personajes, fueron tipos bastante desagradables: rudos, violentos y peligrosos. Sin embargo, como en muchos más casos similares (Bonnie y Clyde, Jesse James) la tendencia a mitificarlos y endulzar la leyenda ha sido más poderosa que la realidad, a menudo indeseable. ¿Por qué? ¿Qué hay dentro de nosotros que nos lleva a sentir simpatía por el Diablo?

Castlevania de Netflix: La breve maldición de Drácula

Corría el año 86 (sí, Millenials, 1986), cuando Konami presentó Castlevania, el videojuego. En este mítico y maravilloso plataformas de acción, que podéis disfrutar en vuestra Mini NES si no la habéis vendido por 300€, adoptábamos el rol de Simon Belmont y nos adrentábamos en el castillo del mismísimo Drácula para acabar con su no-vida.
El 7 Julio de 2017, Trevor Belmont, uno de sus antecesores, visto por primera vez en Castlevania 3: Dracula’s curse, llega a Netflix para dar caza, a través de una serie de animación, al chupasangres más famoso de la historia.

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